Chung Young-hwan
b. 1970, Korea, lives and works in Seoul
한국 출생, 서울에서 거주하며 활동 중
2006 중앙대학교 교육대학원 미술전공
Graduate School of Education, Chung-Ang University, Major in Fine Arts
1998 수원대학교 미술대학 서양화 학과
Bachelor of Fine Arts in Western Painting, College of Fine Arts, Suwon University
푸른색을 통해 시작과 희망, 위로의 메시지를 전하는 정영환 작가는 자연의 일부를 조형적으로 재해석하며 관객들에게 쉼과 안식을 제공하는 작품 세계를 구축해왔다. '숲의 화가'로 불리는 그는 현대인의 지친 일상에 위안을 전하는 깊이 있는 색채 연구를 지속하며, 최근에는 화이트와 블루 톤을 중심으로 한 '푸른숲' 시리즈에서 비비드한 컬러와 중저채도의 변주를 시도하고 있다. 2023년 서울 플래티넘 갤러리에서 열린 개인전 Bluescape를 비롯해, 각종 시립미술관과 비엔날레에서 활발한 전시 활동을 펼쳐왔다. 그의 작품은 국립현대미술관, 주한 프랑스상공회의소, 프랑스 아르케 법무법인, 하나은행 등 다양한 기관 및 기업에 소장되어 있으며, 서울을 기반으로 글로벌 브랜드와 협업을 이어가고 있다. 2023년 서울모빌리티쇼에서 제네시스 X 컨버터블과 협업하여 '숲의 사계'를 현대적인 미디어 아트로 재현한 바 있으며, 프랑스 시슬리 본사에서 열린 '부분의 합 - 회복과 결속 전시', JTBC 아티스트 ID 프로젝트, 그리고 2025년 하반기 LG OLED TV와의 아트 프로젝트 예정까지 다양한 산업과의 접점을 확장하며 한국 현대미술의 경계를 넓혀가고 있다.
Jung Young-hwan, known as the "Painter of Forests," conveys themes of hope and solace through blue tones, reinterpreting nature in a sculptural way to offer viewers tranquility. His Blue Forest series, initially centered on white and blue, has evolved with vivid and mid-to-low saturation hues. His work has been exhibited in major municipal art museums and biennales, including his 2023 solo exhibition Bluescape at Platinum Gallery in Seoul. His pieces are held in collections such as the National Museum of Modern and Contemporary Art, the French Korean Chamber of Commerce, and Hana Bank. Jung also collaborates with global brands, reimagining The Four Seasons of the Forest with Genesis at the 2023 Seoul Mobility Show and contributing to The Sum of Parts – Recovery and Connection at Sisley’s headquarters. His upcoming collaboration with LG OLED TV in the second half of 2025 further expands his impact at the intersection of contemporary art and industry.
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전시장에 있으면서 가장 많이 받는 질문은 "왜 파랑색으로 그림을 그렸나요?"입니다. 전문가든 일반인이든 남녀노소를 불문하고 모두가 던지는 첫 질문이었습니다. 처음엔 파랑이 단순히 제가 좋아하는 색이자 현대미술에 대한 저의 도전정신을 상징하는 색이라 생각했습니다. 그러나 시간이 지날수록 저 자신에게도 같은 질문을 던지게 되었고, 점차 그 답을 찾게 되었습니다.
파랑색은 영적인 색입니다. 만물을 천상으로 끌어올리는 신비한 힘을 가진 색이며, 귀족적이고 성공적이며 차갑고 이지적이며 세련된 느낌을 줍니다. 무엇보다 다른 색과 만나면 끝없이 변화하는 매력적인 색입니다. 저는 대학 시절부터 줄곧 자연을 주제로 작업해왔습니다. 초기 작품들은 다양한 컬러를 사용하며 추상과 구상을 넘나드는 자유로운 표현이었습니다. 하지만 지금처럼 파랑 한 가지 색으로 작업하는 이유는, 모노톤이 주는 몰입과 집중의 매력 때문입니다.
자연에 대한 탐구는 인간의 본능이자 태생적 교감이라고 생각합니다. 사람들이 힘들 때 자연을 찾는 것도 그 때문일 것입니다. 저 역시 작품의 소재를 찾기 위해 자연을 탐구하며 사진과 다양한 이미지를 수집합니다. 제 작품 속 풍경은 실제로 특정할 수 없는 장소들입니다. 다양한 시간과 역사를 가진 이미지들이 모여 계획된 조경과 같은 새로운 풍경을 만들어 냅니다.
제 작품은 서양화 기법을 사용하지만, 한국화의 여백을 중요하게 활용합니다. 수십 번의 적층 과정을 통해 만들어진 흰 바탕은 단순한 배경이 아니라 의미를 지닌 여백으로서 작용합니다. 최근에는 클래식 블루와 함께 더욱 다채로운 색을 다시금 활용하면서 색의 스펙트럼을 넓히고 있습니다.
제 작품은 현실 그대로의 진경(眞景)이 아니라 철저히 계획된 조경(造景)입니다. 공간과 형태의 세밀한 구성은 고딕 성당의 건축미와 닮아 있으며, 수직과 수평, 숭고함과 평온함의 미학을 표현합니다. 발전한 현대 문명 속에서 각박해진 삶을 살아가는 사람들에게 제 작품이 잠시 마음을 쉬어갈 수 있는 휴식의 공간이 되길 바랍니다. 제 그림을 통해 관객들이 위로와 안식을 얻기를 희망합니다.
아티스트 스테이트먼트 2025
The most common question I receive in exhibitions is, "Why do you paint in blue?" It is a question asked universally, regardless of age, background, or expertise in art. Initially, I believed that blue was simply my favorite color—a representation of my artistic challenge within contemporary art. However, over time, I found myself asking the same question and gradually uncovering the answer.
Blue is a spiritual color, possessing a mysterious force that elevates all things toward the heavens. It is a color of nobility, success, intellect, and refinement, yet it is also ever-changing, adapting in response to the colors it encounters. Since my university years, nature has been the central theme of my work. My early pieces explored both abstraction and figuration, embracing a diverse color palette. However, I have since chosen to work predominantly with blue, drawn to the sense of immersion and focus that monochromatic expression provides.
The human connection to nature is instinctive, an inherent bond formed from birth. When overwhelmed by life, people seek refuge in nature. Likewise, my creative process involves exploring nature, collecting photographs and visual references that inform my compositions. The landscapes in my work do not depict specific locations but are instead constructed scenes—composites of various times, places, and histories, carefully arranged like a curated landscape.
Although I employ Western painting techniques, I emphasize the significance of negative space, a principle deeply rooted in traditional Korean painting. The layered white background in my work is not merely a backdrop but a contemplative space that holds meaning. Recently, I have expanded my palette beyond classical blue, reintroducing a broader spectrum of colors to further develop my artistic language.
My paintings are not literal depictions of reality (jingyeong), but rather meticulously composed landscapes (jogyeong). The structured balance of space and form in my work mirrors the architectural beauty of Gothic cathedrals, evoking both vertical grandeur and serene horizontality. In an era of rapid modernization and increasing detachment, I hope my work serves as a sanctuary—a place where viewers can pause, reflect, and find solace. Through my art, I seek to offer a moment of rest, a space of quiet contemplation, and a sense of peace.
Artist Statement 2025
